Semana con bastante actividad fotográfica por mi parte, pero cuyos resultados, al ser principalmente fotografías con película tradicional, se irán viendo poco a poco más adelante. Ayer pasamos una mañana muy entretenida revelando carretes en blanco y negro dentro del III Encuentro Fotográfico organizado desde la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ). Y tengo varias perspectivas a corto plazo en estos temas.
Las fotografías que acompañan las recomendaciones de hoy, al igual que hace una semana, son de las que mandé a revelar a Revelatum Revelado Analógico (como ya dije, Alex Delgado). Un par de carretes de Ilford XP2 Super que hice con las Olympus μ(mju:). Como ya dije, lo único que hubiese pedido para que hubiesen quedado perfectas es que la cámara pudiese ajustar manualmente el índice de exposición y haberlo hecho a 200 o 250 en lugar de a los 400 ISO nominales de la película. El trabajo de Alex, como ya dije, excelente. Y espero mostrar pronto algún otro ejemplo de ese excelente trabajo con negativos en color, no precisamente fáciles de digitalizar.
En primer lugar, la fotógrafa surrealista Claude Cahun. Ya la he mencionado en alguna ocasión en estas páginas. Muy moderna para su época, fue antecesora de todos estos fotógrafos que hoy en día cuestionan sus propia identidad cuando se sitúan ante la cámara. No sólo se dedicó al a fotografía. Escribió, actuó, pinto... Y como digo se encuadra perfectamente dentro del movimiento surrealista, y fue también una precursora de los movimientos feministas y de la libertad sexual. Practicó mucho el fotomontaje y el collage. Y todo esto nos lo contó en profundidad Oscar Colorado.
Si ahora pensamos en el aspecto de Seul, la capital de la República de Corea, habitualmente conocida como Corea del Sur, pensamos en una urbe moderna, con rascacielos, una de esas ciudades cosmopolitas que están surgiendo en Asia, muy jóvenes y muy dinámicas. Pero su realidad hace 60 años, justo al terminar la Guerra de Corea, era muy distinta. Y el fotógrafo coreano Han Youngsoo (página de la fundación que gestiona su legado, desgraciadamente en coreano) la documentó durante varios años, en un testimonio gráfico que nos habla de un país que era muy distinto al que ahora percibimos, que ha sufrido profundos cambios y transformaciones. Nos lo han contado en Hyperallergic.
La tragedia del terremoto de la costa del Pacífico en la región de Tōhoku de 2011, el cuarto más potente de los registrados hasta la fecha y el más potente en Japón, más conocido por su afectación de la central nuclear de Fukushima, sigue atrayendo a muchos artistas y fotógrafos en particular por las secuelas físicas y humanas que ha generado este fenómeno natural. Javier Tles es un fotógrafo nacido en Zaragoza, pero establecido en Barcelona desde hace tres décadas, que ha realizado un interesante ejercicio con algunos de los afectados de la tragedia, como nos han contado en Clavoardiendo Magazine. Un trabajo muy íntimo, tan importante por el proceso como por los resultados, en la medida que implicaba un difícil diálogo con la persona antes o durante el proceso de realizar su retrato.
Un fotógrafo preocupado por el medio ambiente es Alain Delorme. Delorme realiza fotografías de paisajes con lo que parecen inmensas bandadas de estorninos... hasta que nos fijamos con más detalle. Delorme es una artista de la herramienta de clonar que, sobre los paisajes, utiliza para generar ficticias bandadas de bolsas de plástico que remedan las formas, los movimientos y la dinámica de los estorninos. Es una denuncia al fuerte impacto de la contaminación con objetos plásticos, que permanecen inalterados durante largo tiempo en el ambiente. Lo hemos visto en Slow Show, y os jugo que al principio me parecieron auténticas bandadas de estorninos. Un trabajo de chinos.
Las cámaras Holga u otras similares, consideradas de juguete por muchos, aparatos de plástico muy sencillos, parecen más destinados a su uso por hipsters modernillos, que dejan muchas veces fotografías más o menos llamativas, pero tal vez intrascendentes. Pero hay excepciones. En alguna ocasión ya hemos hablado del uso que hace el fotógrafo documental y reportero gráfico David Burnett de estas cámaras. Esta semana he conocido en I Still Shoot Film el trabajo de otro fotógrafo que las usa, y con gran habilidad, para fotografiar los grandes paisajes del oeste americano. Se trata de Troyce Hoffman, y su secreto es una cámara Holga con película Tri-X forzada a un índice de exposición de 1600 y con un filtro rojo. Y una buena composición y saber hacer, claro. De todos modos... mi Holga viñetea muchísimo más... no me imagino que de mi cacharro salgan fotos tan nítidas.
Otro fotógrafo que ha venido usando tecnologías alternativas es el francés Gil Rigoulet. Rigoulet utiliza las polaroids en distintos formatos, muchos de ellos que ya no se fabrican, ni por la propia Polaroid, ni por Fujifilm que lo estuvo haciendo hasta hace un par de años. Lo mismo le sirve para un retrato, un autorretrato, un bodegón, que un desnudo. Además manipula el material original, extrayendo el negativo del positivo en aquellas películas que lo permiten, o manipulando la emulsión, transfiriéndola a otras superficies. Creatividad al máximo. Lo hemos visto en L'Oeil de la Photographie.
En los últimos meses he dedicado algún tiempo a la fotografía de aproximación de plantas y flores, incluso macro, con película tradicional, tanto en color como en blanco y negro. Esta última es especialmente compleja, ya que al despreciar el color, uno de los elementos más característicos del mundo vegetal, sobretodo en motivos florales, hay que replantearse por completo la estética del asunto. Por ello, me ha parecido interesante el trabajo de la fotógrafa basada en Sidney Jessamine Chen. No he encontrado una página propia, y parece que es un nombre común entre las comunidades de origen chino en el mundo. Pero bueno, las fotografías que han publicado en Creative Bloom hablan por sí mismas. Qué envidia.
En Lens Culture han publicado un artículo sobre cómo distintos fotógrafos contemporáneos trabajan o imaginan el retrato fotográfico. Como dicen en el artículo, el retrato es una disciplina fundamental en fotografía. De hecho, la mayor parte de las personas se siente más interesada por una fotografía de una persona que por otra aunque sea de un magnífico paisaje o naturaleza muerta que no incluya un elemento humano. Las fotografías que más éxito tienen en redes sociales son aquellas en las que aparecen personas, especialmente si son personas a las que conocemos. Nos generan un vínculo emocional. En cualquier caso, es interesante el artículo y las fotografías que lo acampañan.
Por último, contar que ha salido el número 98 de Fraction Magazine, como todos los principios de mes. Como es un número que coincide con el noveno aniversario de la publicación de esta revista en línea, está dedicada a una recopilación de fotografías de distintos autores, es algo que suelen hacer cada año, así como a la reseña de algunos libros de fotografía, de los cuales me ha parecido muy interesante el dedicado a Dora Maar.
Aunque formalmente no estamos en primavera todavía, no hemos llegado al equinoccio astronómico que será mañana día 20 de marzo a las 10 horas y 29 minutos de la mañana, el tiempo ya es primaveral en Zaragoza. Por ello, cuando este sábado por la mañana decidí dar un paseo relajante que me llevó por el Parque de Grande de Zaragoza, opté por coger un equipo para macrofotografía. Para empezar a acercarme fotográficamente a las pequeñas plantas y flores que aparecen ya en estas fechas.
Además del habitual Pentax SMC-A Macro 100/4 que suelo llevar con la Pentax X-S1, y que me ha dado ya varias satisfacciones, llevé otro objeto y objetivo. Hace unos días hice reordenación de equipos fotográficos, especialmente del más antiguo y del dedicado a la película tradicional, como ya os mostré. Y me apareció por ahí un anillo inversor para montura Pentax K. Esto es, un anillo que por una cara tiene la montura de bayoneta de Pentax y por el otro una rosca de filtro, en este caso de 49 mm. Esto sirve para montar un objetivo del diámetro de filtro adecuado de forma invertida, y de ese modo alcanzar notables ratios de aumento en fotografía macro. Para usarlo me llevé el Pentax SMC-A 35/2,8. No tenía muy claro cómo me saldrían las fotografías con este último montaje, y además la cámara me hacía cosas raras a la hora de medir la luz. Pero creo que al final me hice con ella. Os iré poniendo fotos mientras os hablo de las recomendaciones de hoy.
Porque os hagáis una idea de la ampliación, el sensor APS-C de las Pentax digitales tiene unas dimensiones de 23,5 x 15,7 mm. Pues bien, en eso 23,5 mm podemos encajar un objeto de unos 19 mm. Es decir, la escala de reproducción es aproximadamente de x 1,24. Con el 100/4 macro y la lente de aproximación de Cosina que uso con el mismo llego a x 1. Eso sí, el 35 mm con el anillo inversor tiene una distancia mínima de enfoque minúscula. Estás a unos cuantos centímetros del objeto. Mucho más favorable la del 100/4.
Vamos ya con las recomendaciones. En Iconic Photos nos han mostrado algunas de las fotografías de la llamada masacre de Pančevo en la antigua Yugoslavia, tomadas por Gerhard Gronefeld (traducción en Google Translate de la página de la Wikipedia en alemán sobre el fotógrafo), que tomaba fotografías para un periódico del ejército alemán, y que ocultó durante más de 20 años. Los alemanes siempre han defendido que los criminales fueron los nazis y no todo el pueblo alemán. Y que el ejército alemán, la Wehrmacht, no cometía crímenes de guerra, que eso era cosa de las SS. Pero estas fotografías mostraron al mundo que eso no fue así. Aun hoy en día, estas fotografías levantan ampollas entre los veteranos del ejército alemán, sus familias, y los actuales militares alemanes. Pero ahí está el documento. 18 hombres, civiles, fusilados, y otros 17 hombres y una mujer ahorcados. Fue una represalia contra la población civil por la muerte el día anterior de un soldado alemán en combate contra los partisanos.
Más amable es la noticia de L'Oeil de la Photographie que nos permite conocer la colección de Marcel Thomas. Este fue un fotógrafo aficionado, cuyo principal interés era ir a la caza de famosos. Y se hizo con una notable colección de retratos de gentes del mundo del cine sobre todo, que luego ampliaba en las modestas copias de 6 x 9 cm en blanco y negro. Las delicias de los fotógrafos aficionados y a veces desconocidos.
Hace ya unos años compré un libro del holandes Ed van der Elsken, Love on the Left Bank, sobre la bohemia de la orilla izquierda del Sena a su paso por París. Pero lo tenía relativamente olvidado. Hace unos días, en Lomography Magazine publicaron un artículo que recordaba su obra, y quedé especialmente prendado de la fotografía de la muchacha en el metro de Tokio. Ya la conocía, pero últimamente no se me va de la cabeza.
Organizada la actividad por la Asociación de Fotógrafos de Zaragoza (AFZ) de la que soy formalmente socio desde hace un mes, aunque mantenía relación con algunos de sus integrantes desde hacía un tiempo, asistimos unos cuantos a la exposición en la galería Spectrum Sotos del fotógrafo Eduard Olivella, bajo el título Imatges Cosides (Imágenes cosidas). Grandes transparencias realizadas con imágenes apareadas, los retales de los carretes de diapositivas que quedan en los extremos cuando se revelan, y que se montan para que el espectador imagine una historia a partir de las mismas. Guiada y comentada por Julio Álvarez, dueño de la galería. Un placer.
Hace unos días os hablaba del documental Refugee que había podido ver unos días antes en Netflix. Uno de los fotógrafos participantes en la iniciativa es el senegalés Omar Victor Diop. Pues bien, casualmente esta semana hemos tenido oportunidad de ver en L'Oeil de la Photographie algunas de sus fotografía de su Project Diaspora. En ella critica los tópicos con los que se ve en occidente a las personas originarias de África, a través de unos retratos coloridos, vestidos con indumentarias imposibles.
A principios de enero, comentando una serie de libros, mencionaba de pasada que un tiempo atrás adquirí un pequeño librito de una editorial independiente y muy modesta. Se trataba de Føroyar del belga Kevin Faingnaert, un fotógrafo que ha aparecido ya varias veces por estas páginas sin ser muy conocido. Pues bien, este trabajo en el que Faingnaert nos mostraba el paisaje y las condiciones de vida en las remotas islas Faroe ha merecido el premio de fotografía Zeiss 2017. Lo cual me parece muy bien, porque la verdad es que me parece un trabajo que me gusta mucho. Con una forma de entender el paisaje, el retrato y el reportaje documental que se aleja de las modas actuales que se difunden por internet, pero con virtudes estéticas y éticas notables.
En un tono de fotografía también contemporánea, me han interesado los retratos de Alexandra Polina en nos han mostrado en Creative Boom, y que también intentan luchar contras los prejuicios existentes en una sociedad occidental como la de Alemania sobre la imagen y las forma de ser de las minorías, de las personas que se han instalado en el país procedente de otras culturas. Retratos conceptuales, muy dignos, en un elegante formato cuadrado.
También muy curiosas e interesantes las fotografías de la taiwanesa Cielo Yu (es su página en Flickr, donde también hay mucho relleno sin interés, como en su Instagram; también podéis seguirla en Facebook). Nos las han mostrado en Artnau, y son retratos nada convencionales en lugares por otro lado sumamente convencionales. Modelos siempre o casi siempre femeninos, siempre parcialmente ocultos.
No me acordé, o no me dio tiempo, ya no me acuerdo, de comentar la semana pasada el número 96 de marzo de 2017 de Fraction Magazine. Pues vamos hoy, destacando tres de los cuatro porfolios habituales.
El trabajo Hamara Ghar (Our Home) del nortemericano de origen indio musulman Saleem Ahmed, reflexionando sobre el concepto de hogar, el desarraigo y la aculturación.
Con un estilo distinto, pero con reflexiones no muy distantes está el trabajo A Form of View de Yoav Friedlander, que se define como israelí americanizado.
Y por último el trabajo An Aesthetic del japonés Junya Suzuki, que reflexiona sobre el sentido estético conocido como wabi-sabi, en el que se prefiere en general las cosas mundanas e imperfectas frente a lo espectacular, el silencio frente a la elocuencia y el gritería, y la quietud frente al movimiento. Él lo considera como un sentido estético más profundo que el entorno eternamente cambiante en el que vivimos.
Terminaré con algo que no es fotografía,... aunque maneja un concepto relacionado. No recuerdo la fuente, pero llegué hace unos días a un cortometraje de animación en Vimeo que se titula Astigmatismo. El astigmatismo es una de las aberraciones ópticas primarias, monocromática, que afecta a los sistemas ópticos, entre ellos nuestro ojo y los objetivos de nuestras cámaras fotográficas. Supone una pérdida de la nitidez en el objeto enfocado, por una deformación de los puntos que se enfocan, que se reproducen como pequeños segmentos lineales. En este corto de animación juegan con la idea de un niño con astigmatismo que pierde sus gafas y tiene que explorar un mundo borroso que se le hace desconocido y poblado de caracteres extraños. Os lo dejo puesto.
Son ya cerca de las siete y media de la tarde del domingo cuando empiezo a redactar mis recomendaciones fotográficas de este domingo. Es decir, se me ha hecho muy tarde. Así que voy a presentarlas de forma un poco telegráficas. Para colmo, esta semana tenía bastantes. Algunas las dejaré para la semana que viene, y otras las descartaré. De momento, os dejo con el tablero en Pinterest sobre paisajes urbanos e industriales, porque no sólo de naturaleza se alimenta el paisaje.
Iré pues rápido, aunque no dejaré de intercalar algunos paisajes en blanco y negro tomados con una cámara de 1955, de la que os hablaré dentro de poco. Está tomadas el lunes pasado en el valle de Tena, en los Pirineos Centrales aragoneses, y en la comarca del Serrablo, también en el Alto Aragón.
Y sin más preámbulos, de Bored Panda traigo un artículo dedicado a Jamie Livingston, un nativo de Nueva York que durante 18 años tomó al menos una polaroid al día, documentando su vida, hasta que falleció de cáncer, en 1979 y 1998. Algunas fotos son realmente buenas, y las de sus últimos meses, emotivas y estremecedoras.
Los Hare Krishna son un movimiento religioso procedente de la India que ha adquirido cierta popularidad por la imagen de sus adeptos realizando proselitismo en las principales ciudades occidentales, con sus ropajes anaranjados, sus instrumentos musicales y su eterno mantra. En FotoRoom nos hablan del trabajo de Misha Petrov que refleja cómo este movimiento, de capa caída en occidente tras cierto crecimiento, está arraigando en la desencantada sociedad rusa. Algunos retratos son muy bellos. Pero no olvidemos que en algunos países se consideran sus actividades sectarias y peligrosas para la autonomía del individuo.
En Oscarenfotos.com nos proponen con frecuencia galerías y biografías de fotógrafos muy diversos pero siempre muy interesantes. En esta ocasión, que sea uno fotógrafo documental americano como Joel Sternfeld, que usa predominantemente el color, lo hace especialmente interesante. Y encima con cámaras de gran formato.
Han publicado esta en semana en Lensculture una artículo dedicado a la fotografía de Annelie Vandendael, que nos muestra hasta que punto se pueden hacer fotografías modernas, osadas e interesantes con una cámara tan tradicional como una Hasselblad para película tradicional.
Desde que visité una exposición de Pieter Hugo en el Museo de l'Elysée en Lausana, me ha interesado mucho este fotógrafo sudafricano. En L'Oeil de la Photographie nos han hablado de uno de sus trabajos dedicados a la infancia. Con retratos como es habitual en él para aprender mucho.
Una técnica de fotografía alternativa y tradicional que me gustaría aprender es la cianotipia. En Lomography Magazine han dedicado un artículo a los bellos cianotipos Pipo Nguyen-duy. Para que os hagáis una idea de lo que estoy hablando.
Y ya advierto que ha aparecido el número 95 de Fraction Magazine, pero dejo para la semana que viene el repaso a sus porfolios más interesantes.
Lo que ayer pensaba que era una infección viral totalmente banal, hoy domingo se ha convertido en un algo bastante más pesadito. Así que en todo el día he tenido muchas ganas de ponerme ante el ordenador. Me produce un tremendo dolor de cabeza. De todos modos, voy a hacer una entrada cortita... para que no haya un hueco tonto en mi dinámica de publicación. De momento, el tablero en Pinterest que os muestro hoy es el dedicado al collage, técnica mixta que siempre me ha atraído mucho, aunque nunca se me ha dado bien. En general, por supuesto, me refiero a collages físicos. Hechos con fotos, papel, pegamento y tijeras. Aunque algún caso de "collage digital" he incluido, que por su estética he pensado que no desentonaría. Pero eso no va a ser algo frecuente.
También una advertencia. En el pasado me han llegado de vez en cuando mensajes, casi siempre anónimos, de gente que se quejaba de que en mis tableros de Pinterest encontraban desnudos. Lo primero que me sale es decir, ¿y qué? Pero como ahora, con tableros temáticos, estos se circunscriben a uno de ellos, denominado como tal, avisaré que en este tablero de collages también puede haber, y de hecho hay, desnudos. Y a ver si la gente se va volviendo más normal, oye.
En cuanto a las fotografías acompañantes hoy, estoy haciendo una selección de fotografías macro y de aproximación, fundamentalmente plantas y bichos, de todo el año. Quizá para hacer un librito. No me he decidido todavía. Pero os dejo aquí algunas muestras.
Comentaba la semana pasada que había salido ya el número 94 de Fraction Magazine, fiel a su cita mensual. El que parece que ya no se actualiza es su revista hermana japonesa, que lo hacía trimestralmente. Lo último publicado es de junio. Una pena, porque a mí me parece que habitualmente tenía más nivel que la versión norteamericana.
En esta edición me ha llamado la atención el porfolio de Jasmine Clark, mujer afroamericana que ha vivido su vida próxima al entorno del ejército norteamericano, institución muy conservadora, como todos los ejércitos, donde dominan los hombres, blancos y cristianos.
También me ha parecido muy interesante el trabajo de Marna Clarke, una mujer ya mayor que ha empezado a documentar fotográficamente lo que significa para ella ser una persona que llega a la ancianidad.
En el tumblelog de Art Ruby publicaron una entrada dedicada a Liu Bolin, "El hombre invisible". Con frecuencia he visto definido a este artista chino como fotógrafo. Sinceramente, creo que no. Creo que es un artista que usa la fotografía como medio de reflejar y presentar al público sus performances, en las que pinta su cuerpo y sus ropas de forma que queda camuflado, mimetizado, de forma muy completa y eficaz en su entorno. Entornos que nos hablan de la sociedad actual, especialmente del acelerado desarrollo de las ciudades chinas. Su obra tiene cierto carácter de protesta ante la actitud de la dictadura china de impedir la libertad de los artistas. Nos habla de despersonalización dentro de la supuesta prosperidad y modernización del país. Es un artista al que cada vez le he ido pillando más el tranquillo.
Lo último que que comentaré hoy, de esta entrada mucho más reducida comparada con otros domingos, y que me está costando terminar, es una que nos traía hace unos días la web del Centro de Fotografía y Medios Documentales (CFD) de Barcelona. En ella nos hablaban del trabajo de Claire O'Keefe. Usa también técnicas mixtas, básicamente el collage a partir de fotografías vernáculas, no realizadas por ella misma, y lo que es más llamativo es que el color, y especialmente los colores de la piel son algo muy importante, ya que el desencadenante de la serie Piel, fue el diagnóstico de un melanoma en su brazo izquierdo.
Como veis, el collage y otras formas alternativas de plantear la fotografía han sido muy importantes en esta resumida entrada de hoy, que por fin termino.
Cuando mi ritmo de recogida de posibles recomendaciones para el domingo se ve interrumpido por algún acontecimiento, como unas vacaciones, estas siempre quedan dispersas o deslavazadas. De alguna forma, cada semana hay cierta unidad de interés entre las recomendaciones que recojo y selecciono. Por los temas del momento, por mis lecturas, por mis expectativas próximas,... por lo que sea. De todos modos, intentaré armas un conjunto de recomendaciones razonablemente coherente para este domingo que recoge artículos de las dos últimas semanas, aunque entrecortados por mis vacaciones en Hong Kong y Macao. Por supuesto, para empezar, el tablero en Pinterest de estas dos semanas.
Acompañando las entradas de hoy, algunas fotografías del viaje a Extremo Oriente. Aunque en general tomé las fotografías pensando en color, he querido revelar algunas en blanco y negro cuando me ha parecido apropiado. Recuerdo que mi equipo habitual de viaje tiene que ver con el estándar micro cuatro tercios. Me he llevado la Olympus OM-D E-M5, que con cuatro años a cuestas se está convirtiendo en una veterana, con varios objetivos de focal fija y variable. Lo cierto es que, salvo los dos primeros días, he usado sobretodo las focales fijas, el Panasonic Leica DG Summilux 15/1,7 ASPH y el Olympus M.Zuiko Digital 45/1,8. Como cámara de respaldo, especialmente para ir ligero y discreto de noche, la Leica D-Lux (typ 109), que aunque compacta de objetivo fijo, tiene un sensor que procede del mundo micro cuatro tercios. Todas las fotografías intentan establecer un contraste entre lo tradicional y lo moderno en la ciudad de Hong Kong.
Empezaremos como siempre por lo más antiguo. En L'Oeil de la Photographie nos hablaron de la "Naturselbstdruck". Sí, ya sé que hay seis consonantes seguidas... Bueno sería el término alemán para hablar de las copias fotográficas directas obtenidas sin cámara de objetos de la naturaleza sobre material sensible a la luz. Por ejemplo, plantas. Y el científico alemán Andreas Freiherr von Ettingshausen, un barón, freiherr, fue un usuario habitual de estas técnicas dejando una importante colección de imágenes. Hoy los conservacionistas se tirarían de los pelos. Ya se sabe, en la naturaleza, no te lleves nada de lo que te encuentres, ni dejes nada de lo que llevas contigo. Y aquí arrancaron muuuuchas plantitas. Pero estamos hablando del siglo XIX. Otro mundo.
También en L'Oeil de la Photographie dedican un artículo a uno de sus más queridos compatriotas fotógrafos. Sin duda alguna, el optimismo y amor por la vida de Jacques Henri Lartigue le hace un favorito de muchos. Pero en esta ocasión nos descubre una faceta suya poco conocida, la de la fotografía en color. Siempre le atrajo. Práctico el autocromo en su juventud, aunque no se adaptaba a su estilo dinámico de fotografía, y en su madurez tiraría de Rolleiflex y Leica para fotografías en color muy cuidadas, con alma de pintor. Hace bien poco, Ted Forbes le dedicó a este tópico un vídeo en su serie de The Art of Photography. En inglés. Merece la pena. Os lo pongo.
Otro francés bien conocido es Robert Doisneau. Pero como nos dicen en Clavoardiendo, este fotógrafo es mucho más que su famoso beso ante al ayuntamiento parisino. Y hay mucha ironía y humor en su obra. Y nos proponen que los descubramos. A mí me parece una buena recomendación.
Pasemos ya a los tiempos contemporáneos, y nos vamos a ir moviendo por el mundo de la mano de diversos fotógrafos. Fundamentalmente fotógrafas. Empezamos por España, donde en la Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC) realizan una entrevista a Laura Medrano, fotógrafa alicantina que se dedica especialmente al paisaje y al viaje, pero de formas poco convencionales. A conocer y descubrir.
Nos trasladamos ahora al norte de Europa. En FK Magazine nos proponen descubrir el trabajo Niina Vatanen, del siempre complejo panorama artístico audiovisual de Helsinki. En esta ocasión pasa por la apropiación del archivo de Helvi Ahonen, una aficionada que donó sus fotógrafías al Museo Finlandés de la Fotografía, para construir nuevas obras que discutan sobre el propio proceso fotográfico y sobre la naturaleza material de las fotografías. Tiene su cosa.
Todavía más al este, entre Europa y Asia, es donde la fotógrafa Laure Chichmanov busca en Siberia y otras de las antigua repúblicas soviéticas los restos y las influencias de la rusificación que la Unión Soviética introdujo hasta en el último rincón de tan extensa entidad sociopolítica. Nos lo cuentan y nos lo muestran en Format Magazine.
Y llegamos en nuestro viaje de hoy a extremo oriente, como no podía ser de otra forma si yo mismo me he acercado tímidamente a la inmensidad China en estas últimas semanas. En LensCulture nos proponen la serie de fotografías de Mankichi Shinshi, fotógrafo documental nacido en Japón, que en una visita a la ciudad china de Qingdao realizó en el ambiente de bruma y contaminación que caracteriza las grandes metrópolis de este país, dándoles un ambiente muy especial.
Y del extremo oriente nos trasladamos a África, donde la radio pública norteamerica NPR nos descubre el trabajo de la enfermera nigeriana Fati Abubakar, que vive en uno de los estados de Nigeria más afectados por los extremistas de Boko Haram. Esta mujer con su sencilla cámara réflex digital decidió hace un año comenzar a pasear y a hacer fotografías que recogieran su visión, dando rostro y ofreciendo la belleza de las gentes del lugar, tan atribuladas. Documentando lo cotidiano de un rincón del mundo problemático.
Y ha salido, como cada principio de mes, un nuevo número de la revista en línea Fraction Magazine, el 91, que no he tenido ocasión de hojear detenidamente, pero que en esta ocasión dedica sus porfolios a una serie de autores japoneses, por lo que casi seguro que es interesante dedicarle un tiempo.
Por último, quería proponer la lectura de un artículo de Yorokobu, que reflexiona sobre la importancia del encuadre en la fotografía, y de la decisión del fotógrafo, o del editor de fotografía en el caso de la prensa, de qué información se incluye en la copia final. y nos proponen varios ejemplos. De ellos, el caso más curioso es la de la famosa fotografía de Nick Ut de la niña afectada por el napalm en Vietnam. La inclusión o no en el encuadre del soldado de la derecha, absolutamente indiferente en aparencia al horror que le rodea, cambia por completo nuestra percepción de la fotografía. Y todo el artículo a propósito de un nuevo monitor para ordenador... qué cosas. Porque se trata de un artículo patrocinado... es decir, publicidad. Lo cual debería quedar más claro. En grande... "ARTÍCULO PATROCINADO"... Mejorando esa ética, gente de Yorokubu.
